一、中国古诗词艺术歌曲的历史衍变

中国古诗词艺术歌曲的起源最早可追溯到春秋时期，随着时代的发展与变迁，历经《诗经》、《楚辞》、《汉魏乐府》、唐詩、宋词、元曲、明清小曲等诗歌体裁，艺术形式也在不断发生着变化。

19世纪末，正值世纪之交，随着学堂乐歌的兴起，正式开启了中国近代文明。这一时期，西方先进的作曲技法引入中国，歌曲创作大多采用外国曲调进行重新填词，即“旧曲新词”，中国作曲家自己创作出来的曲调很少，且因其旋律较为单一、歌唱性较弱等问题，没有得到广泛的认可，但也为作曲家们提供了许多创作的灵感与源泉。[1]

20世纪20年代，中国作曲家们不再局限于“借鉴”，逐渐形成了中国艺术歌曲独特的创作风格，即西方的作曲技法与中国民族调式的融合，使之既有严谨的结构，又有强烈的民族风格，这一时期的音乐创作也是中国艺术歌曲的繁荣时期，创作了例如《大江东去》《我住长江头》《花非花》《红豆词》等经典作品。

20世纪50年代，新中国成立，全国沉浸在胜利的喜悦中，当时的音乐文化更多地侧重于政治性， “群众歌曲”及“革命体裁歌曲”成为了当时的创作主流，艺术歌曲由于其强调抒发个人的情感，而被视为了“小资产阶级的产物”，艺术歌曲创作进入了沉寂时期。

20世纪80年代，艺术歌曲创作再次迎来文化的繁荣，至此之后艺术歌曲的发展迎来了新的创作浪潮。直到现在，中国古诗词艺术歌曲的创作也是我国艺术歌曲创作的主要方向，其中经典作品包括《涉江采芙蓉》《江城子——乙卯正月二十日夜记梦》《枫桥夜泊》《关雎》等。

二、中国古诗词艺术歌曲的风格特点

“我们今天所理解的中国艺术歌曲概念，是一个有着特定文化内涵和外延的狭义概念，是一种特定的歌曲体裁，而不仅仅是具有一定艺术性的歌曲或独唱曲的泛称。”[2]而中国古诗词艺术歌曲的文化内涵和艺术价值在中国音乐文化发展的历史长河中有着不可取代的重要地位。

古诗词艺术歌曲大致可分为两种创作形式，一是古词古曲，即运用古代的诗词与曲调，通过现代的作曲技法与织体进行伴奏部分的创作以符合现代乐器（主要为钢琴）的呈现，这类作品由于受到原创作曲调的限制，一般为一字一音，旋律性不强，因此在音乐表现力方面有所欠缺。二是古词新曲，即运用古代的诗词进行全新的谱曲创作，这类作品将西方的作曲技法与中国民族调式进行融合，最大程度地还原了诗歌的原貌与意境，创作出既有严谨的结构形式，又符合钢琴的音色特点，同时又具有强烈的民族特点的艺术佳作，体现了我国音乐文化的融合性与多元化。

在创作风格上，古诗词艺术歌曲尽可能地还原了诗词的原貌与意境。首先，古诗词讲究结构的方整，因此在进行创作过程中要注重旋律的乐句与诗歌的结构保持一致，大多采用起承转合的结构进行创作。第二，古诗词强调韵律之美，旋律的韵律化是古诗词艺术歌曲的另外一大特点，在歌曲创作中要注意诗词声调中的“平、上、去、入”，即一声阴平、二声阳平、三声上声、四声去声四种声调的处理。[3]第三，古诗词注重情感的抒发，家国大业、怀人伤古、人生哲理、壮美山河等，不同的主题通过旋律的变化进行区分，如旋律上行时的疑问、下行时的肯定与感叹、平行时的冷淡与叙述、以及旋律曲折时的犹豫与迂回，无不体现着古诗词艺术歌曲深刻的文化内涵。

三、中国古诗词艺术歌曲中的意境营造

中国古诗词艺术歌曲讲究词曲的紧密结合，注重意境的营造与表达，这种意境的传达是通过歌唱的旋律与钢琴伴奏的配合进行呈现的。

钢琴作为西洋乐器之王，以其广阔的音域、丰富的色彩，能够更好地体现音乐的多声性、和声性和复调性，在音乐历史舞台上有着非常重要的地位。艺术歌曲非常注重钢琴伴奏的作用，钢琴与声乐可以说是艺术歌曲中的两条主线，互相依托将歌曲的艺术美感进行展示。